TALKING WADE

Manu Gerosa est un metteur en scène italien qui s’est intéressé aux trajectoires parallèles de 2 traceurs (le nom des pratiquants de Parkour) issus de l’équipe PK Gaza Team. La fondation de ce groupe remonte à 2005, et la première génération de traceurs a donné le goût du dépassement de soi à des plus jeunes, créant une sorte de filiation à travers ce sport et les valeurs qu’il véhicule. L’une des beautés de ce film est que quel que soit le lieu ou la nationalité des pratiquants, on sent le même amour pour cet art urbain, ainsi que la même évidence dans le partage des valeurs.

La particularité des traceurs de ce film est qu’ils sont originaires de Gaza en Palestine, et qu’ils vivent leur sport dans un environnement extrêmement difficile avec la guerre en cours, et qu’ils se retrouvent souvent sur des bâtiments en ruine pour s’entraîner. Une manière de démontrer un instinct de survie évident dans un contexte qui donnerait davantage envie de tout lâcher, et voir ces traceurs de différentes générations s’entraider et passer du bon temps ensemble relève presque de l’anachronisme, et Manu Gerosa nous livre par moments des plans paraissant très étranges et hypnotiques, notamment lorsque les jeunes s’entraînent alors que l’on voit des explosions des kilomètres plus loin en arrière-plan. Leur quotidien est fait de guerre et de peur, et aller pratiquer leur discipline va leur donner une certaine force de caractère ainsi qu’un but dans l’existence.

Jehad ne parvient pas à trouver de travail, et se consacre à son entraînement tout en essayant d’obtenir un visa afin de quitter Gaza. Abdallah quant à lui est parvenu à fuir le pays et à se rendre en Italie, où on le découvre dans ses entraînements quotidiens. Le montage parallèle entre ces 2 athlètes va conférer un rythme prenant à ce documentaire, car Jehad rêve d’un ailleurs plus serein et plus clément, tandis qu’Abdallah tente de se faire sa place dans ce monde libre mais anonyme. Son but principal est de participer à un concours de Parkour et de freerun afin de se faire un nom, et ainsi accéder à un meilleur statut.

Entre espoirs et désillusions, on va suivre le tracé de ces 2 amis séparés par la distance, et la caméra de Manu Gerosa va se faire très discrète tout en offrant une vue directe sur l’intimité des protagonistes. On entre dans leur cercle familial ou amical, on suit les conversations avec leurs proches, et on les voit exprimer leurs désirs avec beaucoup de pudeur et de réalisme. Quand on voit Abdallah débarquer à ce concours, on sent tout le poids sur ses épaules car son résultat aura davantage d’impact que celui de nombreux autres participants, dans le sens où il s’agit probablement du seul moyen qu’il a de ne pas retourner à son ancienne vie en Palestine. Les enjeux sont très importants et on ressent la pression qui l’anime à son arrivée. Sa façon d’appréhender cette structure fabriquée et ce lieu spécialement fait pour le Parkour est touchante, car on sent qu’il est surtout habitué à s’entraîner dans la rue et de manière souvent solitaire.

Manu Gerosa nous livre ces  destinées avec un regard vif et intelligent, captant la réalité des éléments et des structures avec acuité, et on ressent presque les sensations des traceurs lors de leurs acrobaties, avec le son des baskets sur le béton, le frottement des mains, le souffle lors des sauts… Manu Gerosa suit de manière instinctive ces sportifs dans leur quête de liberté, et le réel les rattrape parfois, comme lors de ce rassemblement à la frontière où des soldats israéliens tirent en direction des Palestiniens. La réalité de la guerre ressurgit de manière brutale, et leur seule façon d’y échapper sera de retourner s’entraîner une autre fois…

One More Jump montre comment des jeunes tentent de transcender leur condition très difficile, en tentant d’atteindre un idéal qui pourrait leur permettre de s’abstraire de leur destin tout tracé. L’espoir comme moteur et le mouvement comme salut face à un monde d’une dureté absolue.

Avec son premier long métrage, le metteur en scène britannique Chris Andrews nous livre une oeuvre âpre et sans concessions qui va raconter les déboires d’un berger irlandais confronté au massacre de ses bêtes. Les tensions vont rapidement monter avec les hommes d’une ferme voisine, que Michael pense responsable des exactions commises. Chris Andrews nous plonge dans un thriller rural brut et rugueux, dont la trame narrative est axée sur le quotidien morne et gris de ce berger vivant avec son père invalide, campé par l’excellent Colm Meaney (Gangs of London). Dès l’intro du film, on prend conscience du talent de Chris Andrews pour créer le malaise et le suspense, et on se retrouve du coup complètement pris dans cette oeuvre qui ne nous lâchera pas jusqu’au bout.

Je n’ai même pas reconnu Christopher Abbott que j’ai pourtant vu récemment dans le très bon Wolf Man de Leigh Whannell! Il s’avère très talentueux dans le rôle de Michael, qui n’est pas très enclin à la discussion et qui préfère rester en retrait, mais qui va devoir prendre des décisions difficiles suite aux problèmes qu’il rencontre. On sent un personnage tiraillé entre sa volonté de rester effacé et une certaine rage qui commence à monter en lui, et Christopher Abbott personnifie avec beaucoup de justesse cette ambivalence. Colm Meaney a un rôle un peu en retrait, mais son interprétation du patriarche pourrait se voir comme celle d’un Finn Wallace vieillissant qui tente encore de diriger son empire…

Barry Keoghan est bien évidemment excellent dans ce rôle difficile de Jack, le fils du voisin possédant la ferme à proximité, et il est clairement le personnage possédant le plus d’amplitude dans ses émotions, ce qui va mener le spectateur a également varier les sentiments qu’il peut avoir envers lui. Keoghan est un très grand acteur qui s’impose malgré son jeune âge, et sa relation avec Michael va être le pivot de toutes les tensions qui vont exploser dans ce film. En collant au plus près de chaque personnage, avec cette caméra souvent oscillante captant le réel dans l’urgence, on va sentir le malaise s’épaissir et l’engrenage se resserrer sur les protagonistes, qui vont effectuer des choix les menant de plus en plus drastiquement vers le point de non-retour. On a l’impression de se retrouver dans un cinéma à la Peckinpah mais sans l’esthétique et les ralentis chers au réal, pour uniquement capter la substantifique moëlle et la retranscrire avec une approche la plus froide et réaliste possible. Chris Andrews ne va pas faire dans le sensationnel (la musique s’avère souvent minimaliste, quand elle est présente) mais va paradoxalement nous plonger d’autant plus dans ce récit poisseux et de plus en plus sombre.

Sa façon de filmer les visages, de bien ancrer les personnages dans leur quotidien et dans ce lieu loin de tout, la manière dont il capte les émotions fugaces à travers la gestuelle des protagonistes, cet ensemble fait que l’on étouffe de plus en plus avec eux et avec ce noeud qui se resserre de manière désespérée. Le Clan des Bêtes est une oeuvre à la fois brute et sensitive, qui ne s’embarasse pas de discours inutiles mais qui se veut une sorte de western pessimiste délocalisé dans les prairies irlandaises. Un cinéma qui colle au réel et au terroir et qui démontre un savoir-faire impressionnant de la part de Christopher Abbott.

Ca fait plus de 10 ans que je n’avais pas vu un film de Steven Soderbergh, le dernier étant le très bon Piégée il me semble. Révélé par son premier film Sexe, Mensonges & Vidéo pour lequel il a directement gagné la Palme d’Or en 1989, le metteur en scène est connu pour des oeuvres comme Ocean’s Eleven, Erin Brockovich, Seule contre Tous, Traffic, Contagion ou encore Magic Mike, qui convoquent à chaque fois le gratin hollywoodien. Mais dans la multitude de projets qu’il réalise, il se plaît à placer de temps en temps des oeuvres plus confidentielles, avec budget resserré et casting moins clinquant, mais qui vont lui permettre d’explorer d’autres genres. Presence fait partie de cette catégorie, avec un tournage en lieu unique lui permettant de limiter les frais et des effets spéciaux minimes.

L’entièreté du film va se dérouler à l’intérieur d’une maison dans laquelle vient emménager une famille, et on a l’impression d’assister à une suite spirituelle de l’excellent A Ghost Story de David Lowery, avec cet aspect épuré et ces plans qui laissent défiler le temps. Le film va littéralement être composé de plans prenant soit place uniquement dans une seule pièce, soit avec une caméra évoluant au sein de la maison, avec comme idée de laisser se dérouler l’action. Soderbergh multiplie donc les plans-séquence qui permettent aux acteurs de donner tout leur potentiel et de développer leurs personnages, qui sont d’ailleurs très bien écrits par David Koepp. On peut être surpris quand on voit le nom de ce très grand scénariste hollywoodien, lui qui est derrière Jurassic Park, L’Impasse, Mission : Impossible, Panic Room, Spider-Man (celui de Raimi), La Guerre des Mondes et des dizaines d’autres. Le voir sur un projet aussi confidentiel est étonnant, mais entre la maîtrise visuelle de Soderbergh, la qualité d’écriture de Koepp et l’excellent acting, on comprend l’excellente tenue de ce petit film qui parvient à nous happer d’un bout à l’autre.

Je vous parlais d’A Ghost Story pour une certaine ambiance qualitative, mais on va bien évidemment évoquer Paranormal Activity puisque Steven Soderbergh se réapproprie les codes du film d’Oren Peli, en substituant le found footage à un choix de prise de vue risqué mais s’avérant déterminant dans la qualité de cette oeuvre. La caméra mouvante va se rapprocher au plus près de chaque membre de cette famille, et on va découvrir les failles et les faiblesses de chacun d’entre eux. Les 4 membres possèdent déjà un vécu qui fait que leur harmonie familiale n’est pas la meilleure, et on appréciera vraiment le développement de David Koepp sur les différentes relations entre eux. Si Lucy Liu est l’actrice la plus connue, son personnage est probablement le moins intéressant de tous, avec cette sorte de rigidité qu’elle traîne tout au long du métrage. Par contre, Chris Sullivan est excellent dans le rôle de ce père dépassé mais qui tente de garder le contrôle, Eddy Maday est très bon dans le rôle du garçon prodige prétentieux, et surtout, Callina Liang est parfaite dans le rôle de Chloe, la jeune fille fragile qui ressent très rapidement une présence dans la maison.

Le traumatisme qu’elle a vécu a peut-être accentué ses dons de perception, et Callina Liang apporte une réelle sensibilité à son personnage, qui entre une mère distante et une absence suite à une tragédie, semble se replier sur elle-même. La fragilité relationnelle entre les 4 membres de cette famille va être un élément central du film, avant que la présence ne se fasse sentir de manière plus distincte. La filiation avec Paranormal Activity est évidente, avec cette propension à laisse s’étirer les scènes sans qu’il y ait de grosse séquence d’action, mais cette approche est essentielle pour la montée progressive de la tension, et Soderbergh gère à merveille sa partition. La présence va se faire sentir de manière tout d’abord discrète, puis va monter de quelques crans, et la famille va devoir composer avec ce nouveau paramètre étrange. L’aisance avec laquelle le réalisateur se déplace dans la maison en épousant le caractère spectral de cette présence crée une atmosphère très spéciale, puisqu’on navigue dans un lieu qui se veut rassurant et protecteur mais qui va être traversé par d’étranges turbulences. Soderbergh a utilisé une caméra Sony Alpha 9 III, qui est en fait un appareil photo permettant des déplacements très fluides. Le rendu est superbe, surtout accompagné par la très belle photographie également faite par Soderbergh (qui accessoirement s’est aussi occupé du montage).

Presence ne va pas faire dans le sensationnel mais va être une ghost story tout en douceur et en finesse, qui va toutefois s’attaquer à un problème sociétal très grave, et on appréciera une fois encore la qualité d’écriture indéniable de David Koepp dans le caractère très réaliste et très frontal cette description. Ce film est une vraie belle surprise qui va parvenir à s’inscrire dans un genre de prime abord classique, pour révéler une vraie innovation dans la manière de le gérer.