TALKING WADE

Cela faisait bien longtemps que j’étais resté sans nouvelles de Len Wiseman, et j’avoue que je ne cherchais pas spécialement à en avoir depuis son fameux Die Hard 4 : Retour en Enfer… J’avais tout de même furtivement croisé sa route le temps d’un épisode de la série déjà poussiéreuse et oubliée The Gifted (qui se déroulait pourtant dans l’univers X-Men), et son nom associé à ce spin-off de la saga John Wick n’augurait rien de particulièrement réjouissant… Mais en fan du Baba Yaga et de son univers (même si j’ai décliné le visionnage de la série The Continental), j’étais pourtant curieux de voir ce que cette déclinaison féminine avait dans le ventre, surtout qu’elle bénéficiait de la présence de l’excellente Ana de Armas, qui illuminait Blade Runner 2049 et Mourir peut Attendre.

Wiseman a fait du chemin depuis ses clips pour Megadeth et les 2 premiers films Underworld, et l’aura du personnage mythique de John Wick s’avérant toujours intacte après 4 films, on sent que les producteurs ont voulu soigner cet opus s’inscrivant dans la temporalité de John Wick : Chapitre 3 – Parabellum. Le travail du Français Romain Lacourbas sur la photographie du film s’appuie avec beaucoup de tact sur ce qui a été fait précédemment par Dan Laustsen sur les chapitres 2, 3 et 4, avec cette prédominance de couleurs violacées et bleutées et ces effets de néons qui claquent vraiment bien. Cela permet de sentir une réelle filiation visuelle et de replonger dans cet univers par le biais d’un récit alternatif. L’identité musicale est elle aussi très importante, et là encore, c’est un plaisir de retrouver à nouveau Tyler Bates et Joel J. Richard, qui composent une fois encore un excellent score!

On se rappelle très bien les souffrances imposées à ces danseuses souhaitant toutes devenir de grandes ballerines sous la houlette de la Directrice toujours interprétée par Anjelica Huston, et découvrir plus profondément les caractéristiques de la Ruska Roma s’avère une manière très fluide de rattacher le personnage de Eve à la mythologie de la saga. Si le concept n’est pas forcément très novateur (après tout, ça ressemble assez à la Chambre Rouge qui crée des Veuves Noires chez Marvel, voir Black Widow, ou à la formation de Jennifer Lawrence dans Red Sparrow), il s’ancre dans une certaine continuité avec la même approche très codifiée des autres organisations croisées dans la saga, et les visites dans les hôtels Continental achèvent de (dé)sacraliser les normes imposées. Les notions de sacrifice et d’entraînements spartiates vont faire d’Eve une femme éminemment létale, et l’intérêt de ce film réside aussi dans le fait de suivre sa marge de progression et de ne pas la découvrir purement invincible. On voit par exemple que son premier contrat n’est pas effectué les mains dans les poches, loin de là, et ce choix de caractérisation va définitivement faire que le public accroche avec son personnage. On ne se retrouve pas face à une version féminine du Baba Yaga, mais à une tueuse chevronnée et surmotivée, mais qui n’atteint pas la maîtrise quasi-parfaite de John Wick. Et c’est tant mieux!

L’actrice cubaine Ana de Armas semble s’être impliquée physiquement autant que Keanu Reeves sur la saga, et la voir manier tous les instruments de mort possibles et imaginables ou combattre à mains nues avec autant d’énergie, ça fait sacrément plaisir! On évite pas les 2-3 clichés obligatoires anti-masculinistes à la mode, mais passées ces gratuités, on se retrouve face à un blockbuster qui envoie sévère et qui se place à un très bon niveau dans la saga. Personnellement, John Wick : Chapitre 4 est un chef-d’oeuvre ultime, et John Wick premier du nom est l’actioner parfait par excellence. Je dirai que ce Ballerina ne les atteint pas, mais qu’il est plus enthousiasmant que les 2 et 3. Et même s’il n’est pas parfait, il constitue une oeuvre réellement solide et captivante, bénéficiant de morceaux de bravoure sacrément maîtrisés!

La séquence du combat avec grenades est géniale, avec une vraie inventivité dans la mise en scène et des moments bien dégueulasses! Le choix du lieu final est lui aussi excellent, avec tout ce qu’il permet en terme de géographie des combats, surtout avec ce choix scénaristique qu’implique ce lieu éloigné. Je n’en dirai pas plus, à part que je trouve qu’il y a un lien avec l’excellent final de La Conjuration Primitive de Maxime Chattam. Len Wiseman n’a pas manqué d’inspiration pour donner du relief à son film, et il est clair que les expérimentations totalement dingues effectuées par Chad Stahelski sur l’opus 4 ont placé la barre très haut, et que les suivants vont être obligés de chercher à innover eux aussi, et ça fait bien plaisir de voir des réals se tirer la bourre comme ça! Alors encore une fois, on n’atteint pas la perfection esthétique et létale du 4, mais ce Ballerina (qui en vrai s’appelle De l’Univers de John Wick : Ballerina, mais franchement j’ai pas la force d’utiliser ce titre aussi merdique) est de très belle facture et donne vraiment envie de voir une suite! La violence n’est clairement pas édulcorée et on a de nombreux moments avec des impacts bien choquants lors des combats!

On retrouve avec plaisir l’incontournable Ian McShane et le regretté Lance Reddick dans ce qui est son ultime rôle (ses séquences avaient été tournées il y a 2 ans, l’acteur étant décédé en 2023), mais on a aussi Norman Reedus qui s’est échappé de The Walking Dead le temps d’un film, on découvre avec étonnement Anne Parillaud dans un petit rôle, et on a un bad guy interprété avec classe par le trop rare Gabriel Byrne. Et on a Keanu Reeves, dont le personnage va croiser la route d’Eve, et ça aussi, ça fait sacrément plaisir! Si vous appréciez les films d’action inventifs et qui dépotent, je ne peux que vous conseiller d’aller voir ce spin-off!

Black Box Diaries est le premier film de Shiori Itō, mais c’est un exercice qu’elle n’aurait paradoxalement jamais tenté si elle n’avait pas été victime d’un viol à l’âge de 25 ans. Ce film fait suite à l’édition de son premier livre, La Boîte Noire, dans lequel elle dénoncait déjà le traumatisme qu’elle avait subi de la part d’un important journaliste. Mais étant elle-même journaliste, elle va se mettre dans le rôle de l’investigatrice afin d’enquêter sur sa propre affaire, ce rôle lui permettant par la même occasion de ne pas sombrer et de garder un certain recul dans ses procédures. Shiori Itō est une femme au courage et à la détermination exemplaires, qui est capable de montrer ses failles et ses faiblesses tout en démontrant sa combativité et sa résolution à aller jusqu’au bout.

Au Japon, seuls 4% des agressions sexuelles font l’objet d’un dépôt de plainte. Un chiffre catastrophique démontrant la quasi-impunité des criminels, alors même que la notion de consentement n’est pas inscrite dans la définition du viol, et que l’âge de la majorité sexuelle était de 13 ans… Une aberration au niveau d’une loi vieille de plus d’un siècle, et que la médiatisation de cette affaire allait peut-être permettre de faire évoluer… Car au-delà de son propre exemple, Shiori Itō souhaite aussi apporter son aide à d’autres victimes, dans un pays où la honte et le déshonneur sont les principaux freins à la libération de la parole. Quand les victimes ont davantage honte que leur agresseur, cela pose effectivement question sur le fonctionnement même de la société…

On débute le film sur sa décision de rendre les faits publics, avec les questionnements personnels que cela suscite et les conséquences sur l’entièreté de sa vie. Cela va remettre en cause le principe sacré nippon du « surtout ne pas faire de vagues », et risque d’avoir des conséquences durables sur sa vie privée, professionnelle, et aura également un impact sur ses proches. Mais malgré ces difficultés, Shiori Itō va décider de faire une conférence de presse afin de révéler ce qui lui est arrivé 2 ans auparavant, et va témoigner à visage découvert. Elle va mettre en cause le directeur d’agence journalistique qui l’a violé, Noriyuki Yamaguchi, qui est un proche du premier ministre Shinzō Abe, ce qui va fortement compliquer son chemin vers la vérité.

Shiori Itō est un exemple incroyable de ténacité et de courage face à un système archaïque et des individus qui s’en servent pour asservir les autres. En racontant sa propre histoire, elle se fait malgré elle la porte-voix de l’ensemble des femmes japonaises, et sa longue procédure va à un moment coïncider avec l’affaire Weinstein et le #metoo qui s’en est suivi, mouvement qui a pourtant eu énormément de mal à trouver sa voie au Japon. Mais l’affaire s’est de plus en plus médiatisée, et Shiori Itō, qui n’avait pas été épargnée par les reproches, les injures et les menaces, trouvait une résonnance avec les victimes d’autres pays.

Ce documentaire retrace les événements en temps réel, puisque la journaliste a souhaité documenter l’intégralité de son parcours judiciaire. L’une des particularités de ce film est qu’elle a enregistré (parfois juste en audio, parfois en filmant) de manière cachée de nombreux échanges qui se révélaient importants pour l’enquête, et on se retrouve pris dans un doc qui prend des allures de thriller d’autant plus captivant qu’il est d’une sincérité absolue! On ressent avec Shiori les émotions qu’elle traverse lors de certains appels et de certaines rencontres qui s’annoncent cruciaux, et on a par moments des instants pris sur le vif dans son intimité, lorsqu’elle se filme ou que des amis la filme, dans des instantanés terriblement touchants qui permettent de se rendre compte des modifications importantes que toute cette affaire a sur son bien-être. On découvre des réactions suivant directement certaines annonces, et on ne peut qu’être pris à la gorge par les boulersements émotionnels qu’elle subit de manière permanente…

Je choisis de ne pas trop divulguer des éléments de l’intrigue qu’est devenue sa vie suite à ce crime dont elle a été victime, afin que vous puissiez découvrir ce film poignant et indispensable par vous-même, mais on peut le rapprocher d’une certaine manière du superbe Citizenfour de Laura Poitras, qu’elle avait consacré à Edward Snowden. Black Box Diaries est composé avec le même sentiment d’urgence vitale et de recherche absolue de la vérité, et des premières images jusqu’aux dernières, on se retrouve totalement happé par cette histoire bouleversante et le destin de cette jeune femme qui a décidé de se battre pour faire enfermer son agresseur, et pour retrouver son équilibre et la maîtrise de son existence.

Premier long métrage du metteur en scène Pedro Martín-Calero, Les Maudites s’aventure sur le terrain du film fantastique avec une approche sensitive et une écriture qui se plaît à varier les temporalités. On va suivre les destins entremêlés de 3 jeunes femmes aux prises avec une entité invisible mais destructrice, dans une oeuvre qui évoque par certains aspects le It Follows de David Robert Mitchell. Andrea, Marie et Camilla vont être les témoins des agissements de cet être qui ne peut se voir directement, mais qui agit dans l’ombre et de manière très perverse. Andrea, incarnée par Ester Expósito (vue dans la série Elite), est une étudiante qui va assister à des apparitions cauchemardesques, et qui se sent terriblement seule alors que son petit copain se trouve à l’étranger. Pedro Martín-Calero fait preuve d’une mise en scène très moderne avec cette approche des réseaux sociaux, en notifiant visuellement les échanges entre Andrea et Pau. On pense à des oeuvres comme Unfriended ou Host, et cet ajout donne une tonalité intéressante au métrage. L’irruption du Mal à l’ère technologique crée un soupçon d’anachronisme qui donne une certaine patine à l’oeuvre.

Mais Pedro Martín-Calero ne va pas se contenter de cette tonalité, puisque son film va nous inviter à découvrir un autre lieu avec une approche sensiblement différente. Cette rupture peut s’avérer déroutante mais va démontrer à quel point l’auteur maîtrise son sujet et sa trame narrative, car il parvient à nous embarquer à travers cette nouvelle vision qui va se faire cette fois-ci à travers l’objectif de la caméra d’une étudiante en cinéma. On va là encore s’intéresser à la technologie mais en s’éloignant des smartphones et des ordinateurs portables, pour accéder à une certaine essence du 7ème art, mais sans que cela paraisse pompeux et prétentieux. Pedro Martín-Calero va interroger les images comme il le faisait précédemment avec Andrea, mais cette fois-ci en observant Marie à travers le regard de Camilla. Le Mal va apparaître de manière fugace et toujours détournée, et c’est dans l’anticipation de la captation d’image que vont se jouer la peur et l’angoisse.

On ne se retrouve pas face à un film d’épouvante qui va glacer d’effroi son spectateur, mais devant une oeuvre qui se plaît à jouer avec l’effet d’attente et les limites de ses cadrages, donnant aux instruments d’enregistrements (téléphone, ordinateur, caméra) le rôle de révélateurs de l’indicible. Si cette technique n’est pas nouvelle, elle est utilisée avec beaucoup d’intelligence par Pedro Martín-Calero, qui gère parfaitement la montée de la tension et qui dirige ses actrices avec une grande précision. Ester Expósito, Mathilde Ollivier (Marie) et Malena Villa (Camilla) apportent chacune leur sensibilité pour offrir à ces trois femmes des personnalités très différentes et qui vont enrichir la trame de départ du film. On ne se retrouve pas dans un slasher américain avec ses personnages interchangeables, mais on sent à la fois une approche esthétisante de la part du réal et une volonté de creuser les âmes des personnages avec une approche davantage film d’auteur au niveau du scénario, co-écrit par Isabel Peña et Pedro Martín-Calero. C’est très agréable de voir un film qui prend le temps d’élaborer les relations entre ses protagonistes et qui les fait évoluer, tout en questionnant quelques sujets très modernes comme la notion de respect de l’intimité. Le fait de suivre une femme en filmant une autre paraît moins problématique que s’il s’agissait d’un homme filmant une femme, mais le questionnement se pose tout autant.

L’une des scènes de départ a lieu dans une boîte de nuit, et lors de cette séquence stroboscopiques, Pedro Martín-Calero fait preuve d’une très belle maîtrise et crée une sensation de malaise à travers ces flash lumineux tout en magnifiant une certaine vision de la beauté féminine. Ces ressentis antinomiques participent à cette tonalité bien personnelle avec laquelle il crée ce long métrage, et cette séquence hypnotisante s’avère excellente. Pedro Martín-Calero va jouer sur les subtilités temporelles et géographiques pour mettre en place des atmosphères différentes, mais qui vont à chaque fois se retrouver gangrenées par cette présence diabolique et insaisissable, qui lorsqu’elle est captée par un appareil, s’avère très flippante.

Les Maudites est une très belle surprise dans le genre du cinéma fantastique ibérique, qui s’il a connu son heure de gloire dans les années 2000, parvient à nous happer encore de temps en temps!

Tal Barda est une réalisatrice franco-américaine spécialisée dans le documentaire, qui pour son 3ème long métrage, va s’intéresser à la vie du docteur Izzeldin Abuelaish, faite de tragédies et de résilience, et qui incarne un espoir de paix dans un monde semblant voué à être enseveli par la guerre. J’avais quelques à-priori en commençant ce film, qui est une énième oeuvre dépeignant les ravages du conflit israélo-palestinien, mais au fur et à mesure que l’on découvre la bienveillance sans limites du docteur Abuelaish, on ne peut qu’être de plus en plus ému et profondément touché par les épreuves qu’il a traversé, et la force de caractère dont il a fait preuve pour continuer à croire en un avenir meilleur.

Izzeldin Abuelaish naît dans le camp de réfugiés de Jabaliya en 1955. Ce camp est situé dans la bande de Gaza, théâtre de nombreuses guerre successives et de luttes incessantes entre les autorités israéliennes et palestiniennes. Après avoir été déplacé et avoir vu sa maison détruite par l’armée israélienne, Izzeldin Abuelaish parvient à avoir une vie à peu près normale en devenant médecin-obstétricien et en construisant un immeuble où il vit avec sa famille. Il est le tout premier médecin palestinien à travailler dans un hôpital israélien, et il vient en aide à la fois aux Palestiniens et aux Israéliens sans accorder davantage de valeur à un peuple qu’à un autre, estimant que les habitants des 2 pays sont égaux.

Sa vision dénuée de toute violence ou animosité tranche avec le climat ambiant fait de bombardements réguliers, et il traverse chaque jour la frontière pour aller travailler dans le pays responsable de ces bombardements sur sa population. Izzeldin Abuelaish est un homme optimiste, prônant la paix entre les peuples et étant totalement opposé à l’absurdité de la guerre. Cet homme dévoué va connaître un drame terrible, duquel il parviendra à se relever en trouvant la force de continuer à poursuivre sa lutte pour l’entente des peuples.

De manière didactique, ce film est d’une limpidité bienvenue dans sa présentation de l’histoire de ce conflit, et l’aisance avec laquelle Tal Barda nous raconte l’histoire de ce médecin tout en l’englobant dans l’Histoire du pays est impressionnante. En nous racontant la vie d’Izzeldin Abuelaish, elle prend l’exemple d’un seul homme pour illustrer les ravages que des milliers d’autres ont subi avec cette guerre interminable. En s’articulant autour de cette figure à la bonté infinie, elle démontre la folie meurtrière entre ces 2 états, dont les victimes sont avant tout ses 2 peuples.

Lors de la tragédie qui voit son immeuble touché par un bombardement israélien, on ne peut qu’être secoué par l’émotion à la vue des véritables images et du témoignage en direct fait à la télévision israélienne. Ce moment est tout simplement déchirant, et on assiste impuissant à l’enfer que vit ce père de famille alors que ses enfants sont touchés. Il n’y a pas de mots pour décrire ça, et l’émotion intense du père vient nous toucher au plus profond, et ce témoignage glaçant devrait suffire à démontrer la folie meurtrière de ces guerres. Même dans ce moment des plus douloureux, il explique encore qu’il souhaite une paix durable, et il ne sombre pas dans l’envie de vengeance. Le témoignage de sa fille Shatha, gravement touchée par le bombardement, est d’une pudeur et d’une franchise tout aussi impresionnante.

Izzeldin Abuelaish va demander des comptes au gouvernement israélien, en intentant un procès visant à obtenir des excuses pour ce massacre. En parallèle, on suit l’expatriation du médecin et de sa famille au Canada, où ils tentent de se reconstruire après le drame, et là encore, le témoignage de sa fille Shatha est très touchant lorsqu’elle évoque la manière dont elle entame sa nouvelle vie. Ce film est traversé par des émotions très fortes et un sentiment de résilience qui donne encore de l’espoir face à l’aisance avec laquelle les pays s’entretuent, et ce qui pourrait passer pour de la naïveté est une force de caractère qui mériterait d’être bien mieux répartie dans le monde.

Un Médecin pour la Paix est un documentaire captivant qui risque bien de vous bouleverser durablement.